La Flauta Dulce o Flauta de Pico

La flauta dulce o flauta de pico es un instrumento musical de viento madera. Produce su sonido al conducir el soplo del músico a través de un canal y hacerlo chocar contra un bisel. Conocida y muy difundida desde la Edad Media hasta finales del Barroco, cayó en desuso al desarrollarse la orquesta clásica, poblada de instrumentos más sonoros. A partir del siglo XX recuperó vigencia, en principio por su interés para interpretar música renacentista y barroca con sus instrumentos originales; su difusión mundial creció gracias a sus posibilidades pedagógicas como herramienta para la iniciación musical.

Familia de flautas dulces

Familia de flautas dulces en una ilustración del Syntagma Musicum (1614-19) de Michael Praetorius.

Flautas dulces barrocas: Tenor, Alto, Soprano y Sopranino.

Ilustración de la obra de 1529 Musica instrumentalis deudsch (Música instrumental alemana), de Martin Agricola.

A partir del Renacimiento la flauta dulce se construye utilizando y formando familias que asemejan la distribución tonal de la voz humana, mediante conjuntos (consorts, en inglés) también comunes en los instrumentos de cuerda (violín, viola, violonchelo y contrabajo). Por este motivo existen desde flautas dulces de menos de 15 centímetros de longitud hasta modelos de más de dos metros y medio. Las más difundidas y conocidas, sin embargo, son la flauta dulce soprano, instrumento común en las escuelas para iniciación musical, y la flauta dulce contralto, también llamada a veces flauta dulce alto. Todas tienen una tesitura de dos octavas y media, y en general son instrumentos afinados en Do o en Fa:

Tesitura	Afinación	Extensión

Piccolino

fa 5

Exilent

do 5

Sopranino

fa 4

Soprano

do 4

Contralto

fa 3

Tenor

do 3

Bajo

fa 2

Gran Bajo

do 2

Contrabajo

fa 1

Subcontrabajo

do 1

Subsubcontrabajo

fa -1

Otros miembros de la familia son las llamadas

• Voice Flute: tenor en re con la misma tonalidad básica que el traverso.
• Fourth Flute y Sixth Flute: las utilizadas, p. ej., en los conciertos de John Baston.

Técnica del instrumento
La flauta dulce se sostiene en posición vertical, con la mano izquierda más cercana a la embocadura. Una técnica correcta implica atender a la emisión del sonido, su articulación, y la digitación que permite generar las distintas notas.
Emisión del sonido

La emisión es de carácter "natural", evitando la idea de "soplar". La embocadura, del instrumento es un "bloque" (A) dentro del cual un canal de viento (B) dirige el aire directamente contra un borde afilado o bisel (C), que transmite su vibración de aire hacia la columna de aire dentro de la flauta. Por este motivo es relativamente sencillo producir sonidos, aunque la posición de la boca produce variaciones notables en la calidad y timbre del instrumento.
Articulación del sonido
La articulación es fundamental para la separación entre notas, permitiendo la expresión de la interpretación. La técnica de articulación es común a prácticamente todos los instrumentos de viento, y consiste en el llamado «toque de lengua», cuyas variantes producen distintos modos. El «toque de lengua» se logra articulando fonemas simples (sin poner en vibración las cuerdas vocales del intérprete), logrando por ejemplo:

• estilo normal: tu-tu-tu
• articulación legato: du-du-du
• articulación staccato: t-t-t
• articulación non legato: dad-dad-dad
• articulación doble staccato: tu-ku-tu-ku

El manejo de esta técnica permite limpieza en los pasajes rápidos, y posibilidades expresivas importantes.

Opera Intitolata Fontegara... de Silvestro Ganassi dal Fontego.

Tratados como "La Fontegara" de Silvestro Gannassi, editado en Venecia en 1535 mencionan un tipo adicional de articulación con el nombre de "Lingua riversa" en el sentido invertida o "al revés". Gannassi propone las sílabas le-re con variantes en todas la vocales. Un tipo de articulación similar es citado en algunos tratados posteriores, por ejemplo Joachim Quantz con la sílaba did'll. El efecto que se busca es el de crear una suerte de superposición de las notas independientemente de la dureza del ataque inicial.
La flexibilidad de esta técnica con la cual se pueden crear notas que van desde un casi legato a un suave stacatto, la llevó a ser considerada uno de los tipos principales si no el principal para articular pasajes rápidos con elegancia (Dalla Casa). En las escuelas de flauta dulce modernas, en su mayoría de vertiente anglosajona, esta técnica es estudiada partiendo del tratado de Quantz (did'll). Un criterio unívoco sobre como abordar esta articulación partiendo del le-re de Gannassi no existe. Sin embargo, observando la tendencia a la guturalidad que existe aún hoy en la pronunciación de la r en el norte de Italia, se podría pensar que una r entendida como una g suave unida a una compresión de los fonemas, consecuencia natural de la velocidad de los pasajes, podría conducir a una especie de legl- legl en forma natural, creándose en este modo un efecto prácticamente igual al did'll ya citado.
Historia
En el siglo XVII se produjeron varios cambios en la construcción del instrumento, resultando en lo que se conoce como "flauta dulce" . Las innovaciones permitieron esta marca en una tesitura de dos octavas y media cromáticas, y la obtención de un timbre más "dulce" que los modelos anteriores. Durante el siglo XVII, en forma algo confusa, el instrumento es a menudo referenciado simplemente como «flauta» (flauto en italiano), mientras que la flauta travesera es llamada «traverso». Para esta flauta dulce fue que Bach escribió su 4º Concierto brandenburgués en Sol mayor, a pesar de que Thurston Dart sugirió erróneamente que fue escrito para flageolets.

El compositor Johann Sebastian Bach empleó flautas dulces en la instrumentación de diversos conciertos y cantatas.

Realmente, Bach escribió esta obra para dos flauti d'echo, o flautas de eco, un ejemplo de las cuales sobrevive hasta hoy en Leipzig. Consiste en dos flautas dulces en fa, conectadas por pestañas de cuero, de forma que una de ellas se usa para tocar forte , la otra piano.
Antonio Vivaldi escribió tres conciertos para flautino, un instrumento que se pensaba correspondía al píccolo. Actualmente se acepta que realmente, se trataba de la flauta dulce sopranino. Sin embargo en uno de los manuscritos de estos conciertos se puede leer la indicación strumenti alla quarta bassa, hecho que ha llevado a formular la hipótesis que en realidad el instrumento pensado por Vivaldi para estos conciertos era la flauta dulce soprano. Esta hipótesis está avalada por la muy escasa presencia de la flauta dulce sopranino en el barroco tardío y varias referencias al "flauto piccolo" o "flautino" indicando la flauta soprano en re o en do.
Renacimiento moderno

El flautista mexicano Horacio Franco, destacado en la interpretación de este instrumento.

La flauta dulce renació a principios del siglo XX de la mano de seguidores de la música Antigua. Los intérpretes modernos de música renacentista y barroca comenzaron a utilizar los instrumentos originales de aquellas épocas. Sin embargo, la flauta dulce solamente era usada con ese propósito y no era considerada como un instrumento musical histórico y de museo. A comienzos del siglo XX era tan extraña que Stravinsky la confundió con un clarinete ^{[cita requerida]}.
La incorporación de la flauta dulce en el repertorio musical moderno se debe a Arnold Dolmetsch en el Reino Unido y a una serie de iniciativas previas en el continente europeo, tanto de intérpretes como de eruditos. Por ejemplo, el Conservatorio de Bruselas (donde Dolmetsch cursó estudios), la Bogenhauser Künstlerkapelle (Banda de artistas de Bogenhausen) formada en Alemania en 1890, que interpretaba música de varias épocas y los trabajos de Willibald Gurlitt, Werner Danckerts y Gustav Scheck. El renacimiento de la flauta dulce no puede ser atribuido a Dolmetsch solamente, ni a ninguna persona en singular, puesto que fue el resultado de varios esfuerzos, en parte combinados y en parte independientes entre sí.
La difusión masiva de la flauta dulce comenzó a mediados del siglo XX, cuando las empresas fabricantes consiguieron construir flautas dulces en bakelita y otros derivados plásticos. Esto tuvo varias consecuencias. En primer lugar, se tornó posible la producción de flautas a escala industrial (hasta entonces los instrumentos musicales seguían siendo de producción artesanal). De este modo, la flauta se convirtió en un producto barato y masivo. En segundo lugar, el plástico soporta mejor el caudal de aire, especialmente en el caso de los principantes que no saben regular el soplido y producen sonidos estridentes, y además permitió reemplazar la digitación barroca (de nivel profesional) por la digitación alemana. En otras palabras, la flauta de plástico es más fácil de tocar que las demás y en manos inexpertas sus sonidos son menos estridentes.
La nueva flauta dulce de plástico ha sido incorporada desde entonces a la instrucción musical en las escuelas de todo el mundo debido a las ventajas mencionadas: bajo costo y facilidad de uso. A partir de entonces, la flauta dulce ha conseguido, además de una difusión masiva, una reputación negativa de "instrumento para niños". Sin embargo, pese a sus facilidades, el aprendizaje correcto de este instrumento exige práctica y estudio, al igual que cualquier otro.
Una figura influyente en el renacimiento de la flauta dulce como instrumento serio de concierto fue David Munrow, cuyo doble álbum El Arte de la Flauta dulce (1975), permanece como una importante antología de la música para el instrumento a través de las diferentes épocas. Sin embargo, en modo casi unánime se indica a Frans Brüggen como el personaje más influyente en el renacimiento de la flauta dulce en los escenarios musicales alrededor del mundo. Sus numerosos discos y su actividad pedagógica en Ámsterdam contribuyeron en modo indeleble a formar la así llamada "escuela holandesa" de la flauta, de la cual hoy en día prácticamente todas las escuelas profesionales de flauta dulce descienden directa o indirectamente.
Compositores modernos de gran estatura han escrito obras para la flauta dulce, incluyendo a Paul Hindemith, Luciano Berio, Karlheinz Stockhausen, John Tavener, Michael Tippett, Benjamin Britten, Leonard Bernstein, Robin Milford, Gordon Jacob y Miguel Oblitas Bustamante. También es ocasionalmente utilizada en música popular, incluyendo grupos como los Beatles, los Rolling Stones, Led Zeppelin, Jimi Hendrix.